“El nacimiento de Venus”
El presente artículo fue escrito por un alumno del profesor Diego Peralta, de Historia y Ciencias Sociales.
Introducción
Introducción
El humanismo es una corriente intelectual desarrollada a partir del siglo XVI, en donde luego de la caída del Imperio romano de Occidente, los sabios que habían conservado el conocimiento de la antigüedad clásica emigraron a Europa Occidental específicamente a la corte Italianas las cuales eran muy prósperas y fue ahí donde se dio a conocer la información que se había guardado desde la antigüedad clásica. Al mismo tiempo la aristocracia Italiana no satisfacía sus intereses y necesidades con la cultura eclesiástica. En esta sociedad urbana y burguesa, los intereses terrenales del individuo estaban siendo más valorados y con ello se comenzó a desarrollar el humanismo, que hizo del ser humano el punto de partida y el objetivo de todas sus reflexiones. Es considerado un movimiento ligado al Renacimiento. Este último fue una de las expresiones artísticas del humanismo, que se concentró en varias áreas de la misma, como la pintura, la escultura, la arquitectura, también fue desarrollado en la música y en la literatura.Las raíces de la pintura renacentista se encuentran en el arte de Giotto, el gran maestro del siglo XIV. La pintura del Quattrocento (siglo XV) se diferencia claramente de la pintura gótica. Desaparece el retablo y por eso se subordina a un conjunto: cada cuadro es un mundo en él mismo, sin ninguna conexión con un ámbito exterior. Sin dejar de tener una presencia constante, los temas religiosos son tratados a menudo como temas profanos. El paisaje, la belleza idealizada de los desnudos, el volumen de las formas y el sentido espacial son las dimensiones cardinales de la pintura renacentista.
La luz se trabaja con más perfección, pero en general sirve para resaltar planos. En contraste con las formas planas, el pintor del Renacimiento está obsesionado por captar la profundidad. El paisaje se conrea con pasión, con sus prados primaverales para obtener efectos de profundidad y encuadrar las figuras.
La composición en el Renacimiento es complicada, es frecuente que haya diferentes escenas en un mismo cuadro o diferentes figuras principales.
La pintura renacentista aparece en el siglo XIV pero su máximo apogeo se produce en el siglo XV y sobretodo en XVI. En este período el color ya se trabajaba de una manera más libre, y por tanto, el dibujo y el contorno pierden la primacía. Las formas, con el claroscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado en detrimento de la apariencia plana; para conseguir el volumen el artista se sirve de muchos recursos, a parte de los sombreados: por ejemplo, el brazo delante el busto en los retratos.
La luz en la pintura renacentista adquiere una importancia nueva juntamente con las sombras, casi ausentes de los cuadros del siglo anterior.
Durante el Renacimiento desaparece la obsesión por la perspectiva y, no obstante esto, las escenas adquieren una profundidad que parece natural, no una cosa conseguida con esfuerzo.
El paisaje es rico en vibraciones luminosas y la primavera y los prados floridos dejan de ser el único encuadre de las figuras; los fondos de boira, las rocas, los crepúsculos, dan cierto matiz romántico a las escenas. La composición es clara, a menudo triangular, las figuras se relacionan con la mirada y con las manos, cada cuadro representa solo una escena o se destaca la acción y la figura principal. Luego de esto cabe decir que a continuación se presentará el análisis de una obra renacentista titulada como “ El renacimiento de la venus”.
La luz se trabaja con más perfección, pero en general sirve para resaltar planos. En contraste con las formas planas, el pintor del Renacimiento está obsesionado por captar la profundidad. El paisaje se conrea con pasión, con sus prados primaverales para obtener efectos de profundidad y encuadrar las figuras.
La composición en el Renacimiento es complicada, es frecuente que haya diferentes escenas en un mismo cuadro o diferentes figuras principales.
La pintura renacentista aparece en el siglo XIV pero su máximo apogeo se produce en el siglo XV y sobretodo en XVI. En este período el color ya se trabajaba de una manera más libre, y por tanto, el dibujo y el contorno pierden la primacía. Las formas, con el claroscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado en detrimento de la apariencia plana; para conseguir el volumen el artista se sirve de muchos recursos, a parte de los sombreados: por ejemplo, el brazo delante el busto en los retratos.
La luz en la pintura renacentista adquiere una importancia nueva juntamente con las sombras, casi ausentes de los cuadros del siglo anterior.
Durante el Renacimiento desaparece la obsesión por la perspectiva y, no obstante esto, las escenas adquieren una profundidad que parece natural, no una cosa conseguida con esfuerzo.
El paisaje es rico en vibraciones luminosas y la primavera y los prados floridos dejan de ser el único encuadre de las figuras; los fondos de boira, las rocas, los crepúsculos, dan cierto matiz romántico a las escenas. La composición es clara, a menudo triangular, las figuras se relacionan con la mirada y con las manos, cada cuadro representa solo una escena o se destaca la acción y la figura principal. Luego de esto cabe decir que a continuación se presentará el análisis de una obra renacentista titulada como “ El renacimiento de la venus”.
Ficha técnica
Nombre de la obra : La nascita di Venere (El nacimiento de la venus)
Autor de a obra : Sandro Botticelli
Técnica/Material : Témpera sobre lienzo
Dimensiones : Longitud 278.5 cm, altura 172.5 cm
Ubicación actual : Galería Uffizo
Estilo : Renacimiento Italiano
Descripción de la obra
En la obra como se pude observar se trata un tema mitológico de la antigüedad clásica, puesto que en ella se observa a Venus quien es la diosa del amor y de la fertilidad, además que connota la belleza de la mujer. En la pintura se puede ver que Venus en la mujer desnuda para sobre una concha, esta mujer es de piel color blanco y además es gruesa, posee los cabellos color oro, los cuales alcanzan una gran longitud, y que alcanzan a cubrir sus partes íntimas y su brazo derecho cubre parte del pecho del cuerpo. Se puede vislumbrar también que están situados en una playa preferente mente en una orilla, la cual es de un color calipso muy claro, y llegando a la orilla se oscurece. En e costado derecho se ven árboles los cuales son muy oscuros, lo cual realiza un contraste de luces denominado claro-oscuro que forma espacio en la obra misma. Por otra parte se puede observar la presencia de más personas en este espacio, a la izquierda se ve un hombre y una mujer por encima del mar los cuales tan entrelazados. E hombre posee la piel más oscura que la mujer y lo mismo pasa con el cabello, puesto que él lo posee café oscuro y ella de color oro. El lleva encima un lienzo celeste y ella posee casi todo su cuerpo tapado gran parte por el cuerpo del hombre. Además se atisba que alrededor de estas personas caen flores las cuales tiñen de rosado sus pétalos y su tallo es verde con dos hojas del mismo color. Estas flores son pequeñas y son numerosas. Por último se aprecia al costado derecho de la imagen que hay otra mujer pero esta vez se encuentra vestida con un atuendo de la época renacentista, es blanco con una adorno de flores pequeñas de azul obscuro, esta mujer posee una piel blanca pero este blanco no es como el de las otras mujeres sino que no posee luz en cambio el de las otras dos si, y su cabello es de un dorado opaco a comparación de las demás y se percata de un peinado de la época en que fue pintada la obra. Esta mujer está entregando u ropaje a la Venus el cual es de color coral, que posee como adornos plantas pequeñas y oscuras que contrastan. Todos los partícipes en la pintura están descalzos.Otro punto importante es que en la obra se ven claramente las características de la pintura renacentista como lo son los desnudos que ya no es algo ilícito en la época y más de una mujer, se y ven contraste como lo describí anteriormente que había partes del paisaje y objetos más oscuros que otros lo cual indica que hay una formación de espacio, y es bastante naturalista debido a que muestra la naturaleza de la mujer, el hombre, y claramente la vuelta a lo clásico que se representa en la diosa Venus.Interpretación de la obra:El cuadro en el que hoy fijamos nuestra atención no representa, propiamente, el nacimiento de aquella diosa latina, de quien la mitología nos cuenta que llegó a la vida entre la espuma del mar, después de un dolorosísimo acto parricida en el que el dios Cronos cortó los testículos de su padre, Urano, arrojándolos al agua. Evidentemente, no era ese un asunto adecuado para un pintor tan refinado como Botticelli quien, en realidad, nos retrata a la diosa arribando a las costas de la isla de Citerea, en pleno mar Jónico. Hasta allí llega la divinidad empleando como medio de transporte una generosa concha que es dirigida a tierra por el viento favorable que surge de la boca de Céfiro, situado a nuestra izquierda, a quien a su vez acompaña en el vuelo su esposa Cloris, la ninfa dueña de las flores, que por ello aparecen en gran número en el cuadro.En una cosa se parece una diosa como Venus a los simples mortales: llega al mundo desnuda, aunque el pintor la retrata en púdica actitud, tratando de proteger con sus manos y sus largos cabellos sus senos y su pubis. En tierra ya está esperándola la propia primavera, que se apresura a ofrecerle una túnica también cuajada de flores. ¡Qué mejor símbolo del amor que éste de las flores!, presentes por todas partes del cuadro. Símbolo reforzado además por la guirnalda de hojas de mirto con la que la primavera atavía su cuello, alegoría a su vez del amor sin límite temporal, del amor eterno.El que la ninfa tape con su manto a la diosa es señal de que los misterios de Venus, como los del conocimiento, se encuentran ocultos.Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.Opinión acerca de la obra A partir de análisis realizado de la obra se puede decir que es una gran obra la cual este bien elaborado puesto se logra el objetivo de mostrar al humano lo más parecido a lo real, con una representación mitológica que es Venus una diosa. Además se ven claramente las características del renacimientos puesto que presenta el claro oscuro, hay desnudos y proporcionalidad con la cual se trabaja en la época. También cabe decir que se considera como una obra significativa del periodo puesto que presenta las características claras del mismo.Otro punto es que no se trata tema religioso lo que significa que por fin se deja de lado la doctrina religiosa al lado en algunos momentos y eso por mi parte esta muy bien puesto que se comparte la opinión religiosa.BibliografíaLa información recopilada para realizar el análisis fue extraída de las siguientes páginas webs:· http://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_Venus· http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4614.htm· http://www.portalplanetasedna.com.ar/renacimiento.htm· http://www.apocatastasis.com/mitologia-griega.php#axzz1ZXYL5l2S· http://www.webmitologia.com/dioses-romanas.html